2007年夏天，台北當代藝術館曾推出「V2_特區」數位藝術展，這裡頭有個名稱叫做－「地球播放器」的展品非常有趣，它透過一個類似iPod的播放器，可以聽見運行中的衛星根據其飛行下方地表所產生的即時虛擬「音樂」；當觀眾從選單裡挑出一顆衛星，除了可以馬上知道這顆衛星正飛到哪裡外，還可看到飛過地區的地形學剖面圖、衛星軌道與地面各地點的相對距離，並即時模擬出海洋、平原、山丘等聲響；異於展覽一向以視覺出發，這個展品雖然很科技，但卻帶點詩意，因為看不見什麼，只能憑聽覺，然後自己想像；很詩。
《最遙遠的距離》也是部從聲音開始發展的電影，從聲音發展出關係、從聲音找尋些存在、從聲音尋找治療、從聲音認識自己；這是一部很詩意的電影，來自一個很文學based的導演－林靖傑，文字很容易即可夾帶詩性，但畫面與敘事如何傳達濃厚的詩意，卻是不容易的；在這部電影裡，就像是在讀一首漂亮的影像詩。
我們習慣靠文字還有照片來記錄自己，但文字較為具體，而照片則較為明確，具體而明確，往往也容許我們多作些躲藏的修飾，所以寫出來的文字多半已經不是當下的心情，而自拍或被拍的照片，往往也像班雅明那樣，『我自己如同他人，我竟不斷在模仿我自己』；影像與文字，如果牽扯到自己，其實也是自身的消亡。
如果紀錄的媒介被換作為聲音的時候呢？也許我們會更認識自己；就像《最遙遠的距離》這部電影，很純粹地「聲音演戲」而不靠對白張力（配樂也驚人地少），於是突顯了導演說故事的風格，像個詩人也像是個哲學家，靜悄悄地、默默地、偷偷地在暗示觀眾：看到自己了沒？
片中桂綸鎂靠著聲音在城市當中應付生存，她坐在捷運木柵線裡，但耳朵聽到的卻是東海岸的海浪聲，她靠聲音來掩飾那些寂寞，而後她遠離了城市，為了尋找那些片段的聲音，但其實她為的也只是在聲音的迴路中找尋自己。
深情指數百分百的男主角不斷地錄音然後寄給分手的女友，中間可能夾帶點自言自語，但他也不過是藉由聲音在找回自己，從那段走不出的戀情裡頭。
心理醫師穿著潛水衣、戴著蛙鏡與換氣管，在台11線的公路上「乾泳」，越來越喘，那像是一段詩的重點，在告訴我們：你是不是也像他一樣在生活中「囚泳」著？非常文學性的橋段，勝過一切明白的對白與文字。
這三個被傷害過或正在被傷害的人，全都來到台東接受一種「遠離性的療傷」，他們分開但卻又各自走到海邊，帶著相同悲傷，好像解脫了，但又好像還是困在哪裡想不開。
明明我已經遠離了那裡、明明我已經面對最真實簡單的自己，但為什麼我還是看不見我自己？很矛盾的人生探討，但卻又是最真實的呈現，而且非常安靜地在陳述一種最遙遠的距離－不過就是自己和自己的距離。
我們每天都忙著在縮短一些距離，縮短論文完工的距離、縮短畢業的距離、縮短退伍的距離、縮短和老闆之間的距離、縮短成功的距離、縮短和誰誰誰之間的距離，但在專注縮短自己與人事物之間的距離的同時，卻忘了縮短自己與自己之間的距離，在被傷害過後，或是失敗過後、遇到挫折過後，會有種被掏空的感覺，因為我們竟和自己的距離如此遙遠，遙遠到無法發覺。
片中有句話是這樣：『無論身體上再怎麼親密，心底總有個缺塊是永遠都填不滿的。』人生不就是這樣嗎？或更正確地說，現代生活、現代愛情不就是這樣嗎？剛開始我們總以為自己將永遠無法打發那揮之難去的失落，但一秒一秒過去，轉過頭來，也許還會因為自己的健忘狠心感到罪惡；然而，那缺塊還是在那裡，無論如何，它鐵定是在那裡，幾乎是與生俱來的。
於是我們開始讀詩、讀散文，讀到柯裕棻寫的那段：『既要迅速累積也要適時放手』時，突然像頓悟了什麼大道理般，高興地躺在客廳地板上，把Linkin Park開到最大聲，喧鬧自己空盪的空間，還有內心。
但我們都還是很怕面對自己，怕想起了什麼，或者觸碰了什麼，但其實我們似乎連面對自己的能耐都漸漸失去，因為我們常常站在自己面前，卻連自己都看不見自己；好詩的形容。
所以，開始紀錄，寫作也好、聲音也好、影像也好，都是種治療，是一種縮短、再縮短自己與自己之間距離的療程。
好存在主義式的文藝噢，難怪義大利的文藝青年會喜歡這部片（這部電影曾在威尼斯影展國際影評人周競賽中獲得最佳影片）。
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